7/21/2026

FIELD NOTE #9 : FIFA World Cup 2026 - NYCが熱狂した1か月

初夏から約1ヶ月間にわたり、アメリカ、メキシコ、カナダを舞台に開催された FIFA World Cup 2026。開催前、ここアメリカでは「NFL、NBA、MLBのようなアメリカンスポーツに比べるとサッカー市場はまだこれから。本当に盛り上がるの?」という声もありました。ですが、蓋を開けてみれば圧倒的な盛り上がり!前評判を気持ちよく裏切るような、多文化とパッションが入り混じる最高のお祭りとなりました。

The FIFA World Cup 2026 was held over about one month, from early summer, across the United States, Mexico, and Canada. Before the tournament, there were doubts here in the US, with some saying, "The soccer market is still developing compared to other major American sports like the NFL, NBA, and MLB. Will it really be exciting?" However, it turned out to be an overwhelming success! It was a magnificent festival filled with multiculturalism and passion, pleasantly defying initial expectations.


今回の大会で特に面白かったのが、世界中から集まったサポーターたちがアメリカ各地のローカルカルチャーと化学反応を起こしたことです。テキサスではカウボーイハットをかぶって現地カルチャーを全力で楽しむ日本サポーターの姿が「最高のゲスト!」と現地メディアで大絶賛されたり、ボストンでは熱狂的なスコットランドファンが街中のパブのビールを飲み干して話題になったり。各地で生まれた自由でチャーミングな交流の様子がSNSでポジティブに拡散され、最初は様子見だったアメリカ人たちの心にも火をつけていきました。


What was particularly interesting about this tournament was the way supporters from all over the world created a chemical reaction with local cultures across the US. In Texas, Japanese supporters wearing cowboy hats and fully embracing the local culture were hailed by local media as "The best guests!" In Boston, passionate Scottish fans made headlines by drinking all the beer in the local pubs. The free and charming interactions that emerged in various locations were positively shared on social media, igniting the enthusiasm of Americans who were initially observing from the sidelines.


もちろん、私たちが暮らすニューヨークの街も日常のすぐ隣にサッカーの熱気がありました。地下鉄の車体には鮮やかな大会ラッピングが施され、街角のパブやレストランのテラス席に置かれたスクリーンには、通りがかりの通行人までもが足を止めて見入る光景が日常茶飯事に。ゴールが決まれば街角で突然大きな歓声と拍手が巻き起こり、隣に居合わせた知らない人同士で「どこを応援してるの?」と自然に会話が始まる。このオープンで自由、そして一瞬で人と人との距離が縮まる空気感は、多様性の街、NYCならではの光景でした。


In our city of New York, the soccer fever was right next to our daily lives. Subway cars were adorned with vibrant World Cup themed wraps. Passersbys stop and look at the screens placed on the terraces of pubs and restaurants on street corners. When a goal was scored, loud cheers and applause would suddenly erupt on the street, and strangers standing next to each other would naturally start conversations, asking, "Who are you rooting for?" This open, free atmosphere, where people were instantly befriended, was a sight unique to NYC, the city of diversity.




今回、NYCのW杯熱を特に象徴していたのが、ミッドタウンの中心地ロックフェラーセンターに設置された公式ファンゾーンです。準決勝の「フランス対スペイン」の試合当日、その熱気を体感すべく現地へ向かいました。


The official fan zone set up at Rockefeller Center, the heart of Midtown, was particularly symbolic of the World Cup fever in NYC this time. We headed there on the day of the semi-final match between France and Spain to experience the heat.




イベント用に特設された49丁目のエントランスから足を踏み入れると、冬はスケートリンクとして知られる広場が緑鮮やかな特設サッカーピッチに。そのエリアを見下ろす形で、巨大な2面のスクリーンがロックフェラーセンタービルをバックにそびえたっていました。30度を超える猛暑の中、スクリーンの周りには近づくのも困難なほどの人が押し寄せ、決定的な場面になるたびにビル群に地鳴りのような歓声が反響していて、見慣れたロックフェラーセンターとは全く違う、ある種異様な盛り上がりに包まれていました。そのほかにも実際にシュートが打てる体験型ブースや、サッカー関連の商品を集めたレゴのポップアップ、レゴでできた巨大なWord Cupトロフィーの展示など、コアなファンでなくとも楽しめる仕掛けが満載で、マンハッタンの中心地がまさに街ぐるみの体験型アミューズメント空間へと姿を変えていました。


Stepping through the special entrance on 49th Street set up for the event, the plaza normally known as the ice rink in winter was transformed into a vibrant green, temporary soccer pitch. Overlooking the area, two giant screens stood tall against the backdrop of the Rockefeller Center building. Despite the intense heat exceeding 30 degrees Celsius, the area around the screens was so crowded it was difficult to approach, and every time a decisive moment occurred, a shout of cheers echoed through the skyscrapers. It was a kind of unusual excitement, completely different from the familiar Rockefeller Center. In addition, there were plenty of installations even for non- fans, such as an interactive booth where visitors could take shots, a LEGO pop-up featuring soccer-related merchandise, and an exhibit of a giant LEGO World Cup trophy. The center of Manhattan had truly transformed into a city-wide, experiential amusement space.






そして、ファッションに携わる人間として最もテンションが上がったのが、57丁目にある百貨店Nordstrom NYC Flagshipで開催されていたAdidasのWorld Cupテーマのポップアップです。

ガラス張りの1階特設スペースに足を踏み入れると、そこはスポーツショップの枠を超えた、洗練されたカラフルなブティックのような空間。スタジアムのベンチやシートを模したモダンな什器にスニーカーが美しく展示され、スポーツウェアの明るい印象とハイファッションのクリーンさが絶妙に融合。ちょうど外から見える角のスペースに設置された大きな金色のサッカーボールがひときわ目立っていて、外を通る人たちも「なんだろう?」と興味を惹かれて入店していました。


What excited us most as someone involved in fashion was the Adidas World Cup-themed pop-up held at the Nordstrom NYC Flagship department store on 57th Street.

Stepping into the glass-surrounded special space on the first floor, it felt more like a sophisticated, colorful boutique than a typical sports shop. Sneakers were beautifully displayed on fixtures designed to resemble stadium benches and seats, creating a nice blend of the bright vibe of sportswear and the clean aesthetic of high fashion. A large golden soccer ball placed in the corner visible from the outside stood out, drawing in people making them wonder, "What is that?"





並んでいたのは試合用のユニフォームだけでなく、トレンド感溢れるライフスタイルアパレルやストリート仕様のアイテムばかり。「サッカーに詳しくないけれど、このスタイルやカルチャーを身にまといたい」と思わせる雰囲気が見事で、近年広がっていたブロークコア(1990-2000年代のイギリスで、ビールを片手にサッカー観戦を楽しむ男性ファンたちの”気取らない普段着”がルーツの、スポーツユニフォームを日常のストリートファッションに取り入れたスタイル)などに見られるサッカーファッションが、一時のトレンドで終わらずに息の長いものになるかもしれないという予感を抱かせました。

ちなみに、日本の白いアウェイユニフォームは今大会の各国のユニフォームの中でも特にスタイリッシュと言われアメリカでも多くの人が購入しているようで、さまざまな人種の人々が日本のユニフォームで歩いているのを街中で日々見かけました。


The displayed items were not just match uniforms but also on-trend lifestyle apparel and street-style pieces. The atmosphere triggers the feeling that "I'm not a soccer expert, I want to wear this style and culture." This suggested that soccer fashion, seen in trends like Bloke Core (a style originating from the casual style of male soccer fans in the UK in the 1990s-2000s who watched games while enjoying a beer, integrating sports uniforms into daily street fashion), might become long-lasting instead of a fad. Japan's white away uniform was said to be particularly stylish among all the national uniforms in this World Cup, and many people in the US seemed to have purchased it. We saw people of various races walking around the city daily in the Japanese uniform.






大会のクライマックスとなったのは、ハドソン川の対岸、ニュージャージーのメットライフ・スタジアムで開催された決勝戦です。当日はマンハッタンとNJを結ぶ電車やフェリーが各国サポーターで超満員になり、都市圏全体がひとつのメガスタジアムのような一体感に包まれました。試合後は夜中になってもマンハッタンのいたるところで優勝したスペインのユニフォームに身を包んだサポーターたちが16年ぶり2度目の世界一の座を祝福していました。


The climax of the tournament was the final match held at MetLife Stadium in New Jersey, across the Hudson River. On the day of the final, trains and ferries connecting Manhattan and NJ were completely packed with supporters from various countries, and the entire metropolitan area was filled with a sense of unity, like a single mega-stadium. Even late at night after the match, supporters wearing the uniform of the victorious Spanish team were celebrating their second world championship in 16 years throughout Manhattan.


「アメリカでサッカーは根付くのか?」という大会前の疑問は、この熱狂の1か月間で払拭されたように思えます。特にNYCの私たちの周りでは、人々が口々にWorld Cupが終わってしまったのがさみしい、これから何を観よう?と言っているのが耳に入ります。スタジアムだけでなく、街のカフェやバー、そしてストリートで、国籍を超えて人々が肩を組み、笑い合える。改めて、スポーツには言葉の壁を超えて、人やカルチャーを繋ぎ合わせるパワーがあるのだと実感させられた夏でした。

この熱狂を経て、アメリカのスポーツ&ファッションシーンにおいてサッカーカルチャーは間違いなく次のフェーズへ向かっています。これからのストリートのトレンドからも目が離せません。


The question, "Will soccer take root in the USA?", seems to have been proven wrong by this month of passion. Especially here in NYC, we overheard people frequently saying how sad they were that the World Cup was over and wondering what they would watch next. People were able to link arms and laugh together across nationalities, not just in the stadiums, but in city cafes, bars, and on the streets. It was a summer that made us re-realize the power of sports to break language barriers and connect people and cultures.

Following this excitement, soccer culture in the American sports and fashion scene is undoubtedly moving into the next phase. We must keep a close eye on future street trends.





6/19/2026

Field Note#8: Tom Sachs - Furniture Exhibition


In this Field Note#8, we visited Tom Sachs’ Furniture Exhibition at Salon 94 in New York!

今回のField Noteでは、Salon 94で開催されていたTom SachsのFurniture Exhibitionへ行ってきました!


The exhibition was spread across three floors and offered an experience of Tom Sachs’ approach to making, through furniture, ceramics, and sculptural objects. 

展示は3フロアにわたって構成されており、家具や陶芸作品を通して、Tom Sachsらしいものづくりの思想を体感できる空間となっていました。



My first impression entering the gallery was the relationship between the artworks and the space itself.


会場に足を踏み入れてまず印象的だったのは、展示されている作品と空間との関係性でした。


Salon 94 is a very clean, minimal gallery space, almost like a white cube, where everything is stripped down so that the works can stand on their own. In contrast, Tom Sachs’ pieces carry a strong sense of materiality and process. You can clearly see the traces of making: exposed joints, rough textures, and visible construction details.


Salon 94のギャラリー空間は静かでミニマルに整えられており、作品以外の要素を極力排除したような雰囲気があります。一方で、Tom Sachsの作品には木材や金属の素材感、ネジや接合部などの制作の痕跡が色濃く残されていました。





The NASA-themed ceramic works and the raw, these furniture pieces felt like they could just as easily belong in a workshop or garage but placed inside this refined gallery space, they created a strong and very intentional contrast, which actually made both the works and the space feel more present. 


NASAをモチーフにした陶芸作品や無骨な家具たち。本来であれば工房やガレージのような場所に置かれていても違和感なさそうな作品が、洗練されたギャラリー空間に展示されることで、作品の荒々しさやユーモアがより際立ち、心地よいコントラストを生み出していました。




I realized I wasn’t just looking at furniture as finished objects. It felt more like observing how furniture is constructed from the inside out in the exhibition.

展示を見ながら感じたのは、家具を見ているというよりも、家具の構造や制作過程を観察しているような感覚でした。


Almost as if I was seeing what would happen if you deconstructed a piece of furniture and rebuilt it again from its structure alone. The works revealed something usually hidden, the internal logic of how things are made.

完成された家具というより、「もし家具を一度解体し、その構造だけを残した状態から再び組み立てたらどうなるだろう」という思考実験を見ているようでもあります。


ネジや接合部、素材の加工跡がそのまま残されていることで、普段は意識することのない家具の内部構造が可視化されているように感じられました。



You don’t usually see what’s inside everyday objects, but once you do, you start to notice the system behind the surface, the components, the logic, the design decisions. Tom Sachs’ furniture has a kind of humor in how it exposes the process and structure behind the finished object.

私たちは普段、完成された製品しか目にすることがありません。しかし、その内部にはさまざまな部品や構造、設計思想が存在しています。Tom Sachsの家具には、「完成品の裏側」をあえて見せるような面白さがありました。


On the third floor, there was a series of chairs with identical forms displayed together. At first glance, they looked the same, but each one used different materials and colors.

特に印象的だったのは3階の展示です。

そこには同じフォルムの椅子が複数並べられていました。一見すると同じ作品に見えますが、よく見ると素材や色がそれぞれ異なっています。


Even though the shape was consistent, the atmosphere changed completely depending on the material.


Some felt more industrial and cold, while others had a warmer, more sculptural presence. It made me realize how much material alone can shift the identity of an object.

The same design can feel like entirely different pieces just by changing surface and material choices.

形状は共通しているにもかかわらず、素材が変わるだけで受ける印象は大きく変化します。

ある椅子は工業製品のような無機質さを感じさせる一方で、別の椅子からは手仕事の温かみや彫刻作品のような存在感が伝わってきました。

普段は家具を見るときに形や機能へ目が向きがちですが、この展示では素材そのものが持つ個性や、それが空間に与える影響について改めて考えさせられました。


同じ設計から生まれた家具であっても、素材や色によってこれほど異なる表情を見せる。その発見も今回の展示の大きな魅力の一つだったように思います。







On the second floor, there was a different exhibition titled “Phases” by Sabine Marcelis.


Compared to Tom Sachs’ work, this space was focused on light, color, and perception. The works shifted depending on the angle and lighting, creating subtle changes in atmosphere throughout the space.


また、2階ではデザイナーのSabine Marcelisによる「Phases」が開催されていました。


Tom Sachsの展示が素材や構造、制作の痕跡を強く意識させるものだったのに対し、こちらは光や色、反射といった目に見えにくい現象そのものを作品として扱っているような展示でした。

透明感のある作品は、見る角度や光の当たり方によって表情を変え、空間そのものを変化させていきます。


While I was looking at Tom Sachs’ pieces, I kept thinking “how is this made?” But in front of Sabine Marcelis’ work, I found myself thinking “why does this look the way it does?”

Tom Sachsの作品を見ながら「どう作られているのだろう」と考えていたのに対し、Sabine Marcelisの作品の前では「なぜこう見えるのだろう」と考えている自分がいました。



Within the same building, one floor was about construction and material, while another was about perception and light. That contrast made the overall experience even more interesting.


同じ建物の中で、片方は素材や構造へ、もう片方は光や知覚へと意識を向けさせる展示になっており、その対比も非常に印象的でした。


In the end, what stayed with me was not simply the feeling of seeing “beautiful furniture,” but rather the sense that I had seen the system behind how things are made.


Being able to experience both Tom Sachs’ “structure” and Sabine Marcelis’ “perception” in the same building made this visit especially memorable.


展示を見終わったあとに残ったのは、「良い家具を見た」という感覚というよりむしろ、家具やプロダクトがどのように作られ、どのような思想のもとに存在しているのか。その仕組みそのものを見たような感覚でした。


同じ空間で、Tom Sachsによる「構造」と、Sabine Marcelisによる「知覚」という異なる視点を体験できたことも含め、非常に印象に残る展示でした。



Stay tuned for the next Field Note!

次回のField Noteもお楽しみに!


5/28/2026

Field Note#7: Audible Story House

今回のField Noteでは、Boweryで開催されていた「Audible Story House」に行ってきました!



“本のない本屋”というコンセプトで構成されたこの空間は、従来の書店のように本が並ぶのではなく、「音」を通してストーリーと出会うための場所としてデザインされていました。



入ってまず印象的だったのは、落ち着きのある空間でした。


心地よいソファや植物が効果的に配置されており、視覚的にもリラックスできる空間がつくられていて、単なる展示空間というよりも、長く滞在できるラウンジのような印象を受けました。




その中で、体験の中心となっていたのが“音”へのアクセス方法でした。


本の代わりに並んでいるのは、表紙ビジュアルが透明なブロックに貼られたオブジェで、それを専用の機械の上に置くと音声コンテンツが再生される仕組みになっています。


非常にシンプルな仕組みでありながら、テクノロジーが自然に体験の中に溶け込んでいて、「操作している」という感覚よりも、「物語に触れている」という感覚に近い設計が印象的でした。




また、リスニング体験の形式も一つではなく、複数ありました。


ヘッドホンを使って集中して聴くスペースもあれば、ボックス型のリスニングブースでは、上部のスピーカーから音声が流れ始め、まるでその場に人が存在して実際に語りかけているような没入感が生まれていました。




音が前方からだけでなく、空間全体から立ち上がるように感じられることで、単なる“再生された音”ではなく、“そこにある会話”として体験されるのが新鮮でした。


さらに、音響面ではDolby Atmosのような立体音響や、SONYのスピーカー・ヘッドホンといった高品質なオーディオデバイスが活用されており、「音で聞くこと」そのものに対して強いこだわりが感じられました。


また、空間全体にはラウンジエリアも設けられており、バーカウンターをイメージとして作られた場所やカフェがあり、訪れた人が滞在しながら音や会話を楽しめる構成になっていました。


特に、バーカウンターではお酒のボトルの代わりに壁に透明ブロックのオブジェが並んでいて、バーテンダーとライブラリアンを掛け合わせたようなコンセプトのスタッフが常駐していました。


その方が、バーカウンターに訪れた人に合わせて本を選んでくれるというサービスも行われており、その発想自体がこの空間らしさを象徴しているように感じました。


ニューヨークのカルチャーらしいオープンな空気感と、Audibleの知的な世界観が自然に共存している点も特徴的でした。


“読む”という行為を「音へと再構築する」ことで、情報の受け取り方そのものを再定義している空間だったように感じます。

日常の中であえて音だけに集中する時間をつくることの豊かさを、改めて体験できる場所でした。


次回のField Noteもお楽しみに!